In this book one can find many artworks created by Picasso between 1881 and 1914. The first style of the artist was influenced by the works of El Greco, Munch and Toulouse-Lautrec, artists that he discovered when he was a student in Barcelona. Picasso, fascinated by the psychological expression during his Blue period (1901-1904), expresses his own mental misery: his genre paintings, still-lifes and portraits were full of melancholy. Later, Picasso began to paint acrobats during his Circus period. After his voyage to Paris, in 1904, his aestheticism evolved considerably. Cezanne’s influence and Spanish culture led him to Cubism, which is characterised by the multiple points of view over the surface of the painting. Apart from a selection of Picasso’s first paintings, this book presents several drawings, sculptures and photographs.

En este libro se pueden encontrar muchas obras de arte creadas por Picasso entre 1881 y 1914. El primer estilo del artista estuvo influenciado por las obras de El Greco, Munch y Toulouse-Lautrec, artistas que descubrió cuando era estudiante en Barcelona. Picasso, fascinado por la expresión psicológica durante su período azul (1901-1904), expresa su propia miseria mental: sus pinturas de género, bodegones y retratos estaban llenos de melancolía. Más tarde, Picasso comenzó a pintar acróbatas durante su período de Circo. Después de su viaje a París, en 1904, su esteticismo evolucionó considerablemente. La influencia de Cézanne y la cultura española lo llevaron al cubismo, que se caracteriza por los múltiples puntos de vista sobre la superficie de la pintura. Además de una selección de las primeras pinturas de Picasso, este libro presenta varios dibujos, esculturas y fotografías.

El próximo 22 de enero se inaugurará la impactante muestra «De la inocencia a la ternura», del artista ecuatoriano Oswaldo Guayasamín, uno de los más reconocidos del continente.

La Secretaría de Cultura de la provincia presentará en el Le Parc la más reconocida muestra del pintor, muralista y escultor Oswaldo Guayasamín. Podrá visitarse hasta el 26 de marzo, con entrada gratuita. La exposición estará dedicada al artista plástico Gastón Alfaro.

El secretario de Cultura, Diego Gareca recorrió, junto a Berenice Guayasamín, hija del artista, parte de la obra de Oswaldo, la que calificó de “maravillosa y majestuosa”.

Berenice mostró su agradecimiento por esta invitación y al respecto señaló que “en realidad somos nosotros los que estamos agradecidos por hacer este esfuerzo de llevar nuevamente la obra de Guayasamín a Mendoza. Para nosotros tiene un significado muy especial, porque la primera vez que estuvimos allá con la obra de mi padre fue tanta la explosión de la población hacia su obra y tan excelente recepción que él decía que era una de las exposiciones más bellas que había hecho en el mundo. Así que ahora el regresar nosotros con otra muestra, la que pintó en la parte final de su vida que es la época de la ternura, creo que les va a gustar”.

Maestro, docente y consciente, espiamos un poco más sobre la obra de este creador mendocino.

Su obra comprende un todo abstracto y figurativo que dialoga con aspectos profundos que prefiere no revelar.

Puro papel, puro nudo, puro dibujo. Las obras de Octavio Joaquín son portadoras de ese estado desnudo y auténtico con el que trabaja con sábanas viejas rasgadas, con técnicas mixtas, con despojo, con textiles y con bolsas plásticas de todo tipo. Arquitectura vital, máscaras, instalaciones, pinturas y múltiples formatos construyen ese todo que contiene su producción artística.

«Lo que mata embellece tiene que ver con no contaminar y hacer uso de un material como es el plástico para crear obras que tienen muchas formas de ser montadas», explica sobre sus esculturas blandas. En el caso del dibujo, la pasión prendió en la infancia, cuando de tanto ver a sus hermanos dibujar, siguió el mismo camino que más tarde retomó en la Escuela Superior de Bellas Artes.

Hasta el 31 de enero puede visitarse la muestra de dibujos de Octavio Joaquín y Juan Castillo en el Salón Cultural Seguros Rivadavia, ubicado en José Vicente Zapata 351 de Ciudad. La exposición puede visitarse de lunes a viernes de 9 a 16 hs. con entrada libre y gratuita.

El presente trabajo adopta un modelo de análisis proveniente de la sociosemiótica para abordar un grupo de obras de la artista mendocina Susana Dragotta. La teoría de los discursos sociales desarrollada por Eliseo Verón permite el análisis del hecho artístico en tanto discurso social. Las obras serán analizadas como discursos que ponen de manifiesto comportamientos individuales e institucionales

El modelo de análisis consta de tres fases. La primera atañe al proceso de producción del discurso artístico. La segunda fase consta de una lectura que releva semióticamente las obras desde mi perspectiva. La tercera fase concierne al proceso de reconocimiento que genera la obra en instituciones, agentes, y también en otros discursos artísticos.

El reconocimiento que otros discursos artísticos hacen de las obras analizadas, da lugar en esta investigación a un anexo: ‘El giro animal en el arte contemporáneo mendocino’.

La presente investigación toma entonces el caso de un cambio de poética en la obra de un artista, identifica la lectura normalizada, describe las marcas de donde esta misma surge, y da visibilidad a la posibilidad de lecturas no previstas.

Desde la aparición del concepto de Arte expandido o desplazado, se incluye dentro de una disciplina tradicional como el grabado, nuevas formas de producción y circulación de obra. Éstas, precisamente hasta fueron consideradas marginales por el discurso canónico.

La gran cantidad de operaciones y dispositivos técnicos aportan y diferencian al grabado y al arte impreso de otras disciplinas e incorporan rasgos de otras, sumándose al cauce de lo contemporáneo en arte. Por lo tanto, los rasgos discursivos gráficos se manifiestan en cualquier soporte que se expresen, son comunes en todos por la acción de imprimir, en tanto acción que define la disciplina del Grabado. Es así que se puede calificar de “gráficas” imágenes que sean o no realizadas en grabado; ya que cuando se reconocen pueden separarse del procedimiento que le dio origen. Por eso se puede hablar de grabado en obras que no responden al concepto tradicional o académico.

Mendoza no es ajena a este proceder, aunque con particularidades, las que son objeto de estudio en la presente Tesis. Se estudia concretamente la obra de Marcela Furlani, Carolina Simón, Egar Murillo y el colectivo “Araña galponera”. La hipótesis que guía la presente investigación es el reconocimiento de la existencia de producciones “desplazadas” en el grabado mendocino, es decir obras que rompen con los códigos y normas de la disciplina en cuanto a la mezcla de procedimientos y lenguajes, o la alteración de los mismos. Los artistas seleccionados desatienden la autonomía de la obra artística, sus propuestas exploran el entorno político, social, económico o cultural contemporáneo, en un intento por reflexionar sobre la realidad provincial y nacional reciente, trascendiendo las imposiciones y limitaciones temporales, disciplinarias o estéticas, buceando en la historia, los mitos y la memoria colectiva, estableciendo dos vías conceptuales: una lúdica, autorreferencial, y una testimonial, de referencialidad sociopolítica.

La Fundación otorga este galardón a través de la Academia Nacional de Bellas Artes. La artista, que también es profesora de la Facultad de Artes y Diseño, recibió el premio por una obra denominada “Piezas de Armadura”.

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El artista grabador es en sí mismo un investigador incansable y apasionado; esto sucede desde tiempos lejanos y esta es la cualidad y el motor del grabado, que ha desencadenado permanentemente una multitud de posiciones y proposiciones a lo largo de su historia. La producción gráfica masiva tuvo desde tiempos históricos grandes seguidores entre los artistas, un ejemplo fue Durero que utilizó ediciones de sus estampas para imponer su estilo en muchos países europeos. También históricamente al grabado se le asignó un papel importante por testimoniar y documentar la actividad artística, y acompañó muchas veces la producción de pintores, dibujantes y escultores destacados. Pero esta función específicamente “reproductiva” atribuida a este medio, lo ubicó en un lugar secundario, fuera de lo que era considerado “arte”. A partir de los años 60, esta situación empieza a modificarse y el grabado adquiere nuevamente importancia dentro de un número cada vez mayor de nuevas prácticas artísticas. A lo largo del siglo XX, los procesos tradicionales de impresión llevaron a los artistas grabadores a relacionarse con nuevos materiales, técnicas y recursos, como así también a contar con la capacidad inusual de mostrar a través de las bienales su obra gráfica original en múltiples lugares al mismo tiempo. Joseph Beuys describió al grabado como “una especie de accesorio para la memoria y una antena que está parada en algún lugar con la que estás en contacto”.

Este libro reconstruye las acciones de un grupo de artistas plásticos de vanguardia, porteños y rosarinos, que durante 1968 protagonizó una ruptura con las instituciones artísticas, en especial el Instituto Di Tella y sus conceptos experimentales. La instalación más conocida fue la obra colectiva “Tucumán arde”, exhibida en el local de la CGT de Rosario, que daba un testimonio estético y de denuncia de las condiciones de miseria que vivía el pueblo tucumano bajo la dictadura de Onganía. La segunda exhibición, planificada para Buenos Aires, fue clausurada.

Un cuerpo femenino desnudo, plegado sobre sí mismo en posición fetal, tuerce ligeramente la cabeza. En las oquedades de los ojos parece concentrarse una mirada de temor ancestral. Mientras, brazos y manos intentan completar un precario refugio frente a la advertencia goyesca enunciada desde el título. Se trata de Lo mismo en otras partes, la escultura que Juan Carlos Distéfano, en 1977, guardó en un bolso para embarcarse rumbo a Barcelona. El 26 de abril de ese año el decreto 1.101/77, con la firma del ministro del Interior, general Albano Harguindeguy, prohibía la distribución y venta del libro Ganarse la muerte, publicado en 1976 por la esposa del escultor, la escritora Griselda Gambaro. Pese a que a fines del año anterior el artista había realizado con éxito su primera muestra de escultura y que todo permitía presagiar un futuro promisorio para su carrera, la familia decide partir. Además del desnudo, en otro bolso el escultor lleva una pequeña versión de El rey y la reina y una serie de cajas donde había embalado sus herramientas…

Una exposición sería, muy sintéticamente, el momento y el lugar en el que determinados objetos son presentados al público. Un gesto tan simple y tan complejo que, esa especie de producción cultural que son las exposiciones, se ha incorporado a nuestro horizonte con absoluta naturalidad y, salvo para quienes trabajan en el ámbito específico de la realización de exposiciones, no son objeto de cuestionamiento alguno. Sin embargo, ellas dan cuenta de la complejidad de una época, de las tendencias culturales y artísticas de la misma, y sostienen o construyen discursos que participan de la definición del perfil de esa época. Su especificidad es el trabajo en sitios determinados y la producción de información y sentido desde ese despliegue espacial. Se trataría, entonces, de un lenguaje visual que involucra otros modos de apropiación/percepción. Uno de los aspectos que las caracterizaría es que en toda exposición se involucra una cuestión de tiempo. Un tiempo que, en el caso de las exposiciones, tiene diferentes alcances. Existe el tiempo en el que los objetos artísticos son presentados al público (llanamente, el período durante el cual se realiza la exposición y que tiene un inicio y un final). Otros tiempos: el momento en el que fueron producidos los objetos y el destiempo que los trae al presente; el tiempo-época en el que se realiza la muestra que es uno determinado y está estrechamente ligado al contexto cultural que hace que esa muestra se realice en ese momento y no en otro (y en el cual la curaduría se encuentra también fuertemente involucrada). Pero también hay un tiempo cargado de conmoción/emoción, e incluso agitación, que es el tiempo durante el cual cada visitante recorre la muestra. Este último tiempo es difícil, sino imposible, de ponderar y es, sin embargo, el que quizás más interesa por cuanto es el que marca al visitante. Difícil de medir son los tiempos individuales de recorridos (aunque haya corrientes disciplinares que se aboquen empeñosamente en hacerlo); imposibles de medir son los tiempos internos que hacen que una obra nos detenga, nos expulse o nos obligue a volver a ella; y, sobre todo, el tiempo en que, calladamente o murmurando casi a gritos, esa exposición permanece en cada espectador. A nuestro entender, y en el sentido que lo plantea Jean Davallon, la exposición se construye realmente en ese tiempo del espectador.