Dentro y fuera del subcontinente, las circunstancias y hechos de los años 70 marcaron la dinámica de la identidad removiendo las anteriores estructuras del pensamiento latinoamericano, consecuencia tanto de la situación de América Latina en lo político, económico y social como del pensamiento europeo y la crisis epistemológica que vivió por esta época. El tránsito del Americanismo al Latinoamericanismo que lleva implícito el problema de la identidad, uno de los pilares sobre los que se ha elaborado el pensamiento latinoamericano, será determinante al trasladarse a las distintas áreas de la cultura. En el caso de las artes visuales, su revisión posee matices diferenciadores, que tienen que ver con la naturaleza de estos lenguajes en el subcontinente latinoamericano y muy especialmente con el desarrollo de los discursos artísticos desencadenado por de esta crisis en Occidente. Haremos un recorrido por los nombres, propuestas y eventos que tuvieron como centro esta problemática en una época, como fue la década del 70, determinante en la historiografía crítica del arte de esta región.

El próximo 22 de enero se inaugurará la impactante muestra «De la inocencia a la ternura», del artista ecuatoriano Oswaldo Guayasamín, uno de los más reconocidos del continente.

La Secretaría de Cultura de la provincia presentará en el Le Parc la más reconocida muestra del pintor, muralista y escultor Oswaldo Guayasamín. Podrá visitarse hasta el 26 de marzo, con entrada gratuita. La exposición estará dedicada al artista plástico Gastón Alfaro.

El secretario de Cultura, Diego Gareca recorrió, junto a Berenice Guayasamín, hija del artista, parte de la obra de Oswaldo, la que calificó de “maravillosa y majestuosa”.

Berenice mostró su agradecimiento por esta invitación y al respecto señaló que “en realidad somos nosotros los que estamos agradecidos por hacer este esfuerzo de llevar nuevamente la obra de Guayasamín a Mendoza. Para nosotros tiene un significado muy especial, porque la primera vez que estuvimos allá con la obra de mi padre fue tanta la explosión de la población hacia su obra y tan excelente recepción que él decía que era una de las exposiciones más bellas que había hecho en el mundo. Así que ahora el regresar nosotros con otra muestra, la que pintó en la parte final de su vida que es la época de la ternura, creo que les va a gustar”.

Esta tesis se organiza en torno del análisis de la obra walshiana como un todo en donde es posible visualizar la problemática de una poética que retoma líneas de sus primeras expresiones artísticas formuladas en el género policial y crea nuevas obras ficcionales o testimoniales surgidas al calor de la vanguardia como expresión artística en tiempos de crisis y como respuesta a nuevos requerimientos personales, políticos y sociales.
El interés que despierta el valor instituyente del género testimonial nos permite bucear en problemáticas tales como: ¿Qué es la literatura? ¿Qué es la ficción y cuáles son sus alcances? ¿Cuál es el concepto de lo real? ¿Cómo se organiza la particular articulación e imbricación de elementos provenientes del periodismo y de la literatura y el interés por desentrañar la construcción histórica de nuestro país desmontando la versión oficial, escudriñando la verdad ocultada, construyendo otra versión para dar testimonio de una época?

El tema de la identidad es conflictivo en el ámbito del arte. El compositor que desea expresar en su música características regionales y al mismo tiempo utilizar los aportes de la vanguardia internacional se encuentra ante una contradicción. La dicotomía regionalidad-universalidad, puesta aún más en crisis por las vanguardias internacionalizantes, y hoy por la globalización, ha sido una constante a lo largo del siglo XX, desde las primeras vanguardias hasta la actualidad. Confirmando la actualidad y vigencia del problema de la identidad en arte, observamos que incluso en las últimas décadas de ese siglo continuaron apareciendo obras adscriptas a la regionalidad, apelando a elementos aparentemente descartados por la crisis en la expresión detonada por el atonalismo, la revolución rítmica, o el nuevo concepto de sonido y fuente sonora.
Esto nos condujo a pensar que no es ésta una mera y absurda oposición al mandato de “evolución” del lenguaje -primordial en las vanguardias-, o de apropiaciones ingenuas de elementos cristalizados del pasado. Tenemos ante nosotros una búsqueda de expresión particular de “lo propio”, en donde el arte asume un rol comunicativo y de significado que trasciende el nivel neutro, y que merece ser estudiado a través de otras herramientas analíticas.
A partir de estas inquietudes, nos propusimos en este trabajo ahondar en la noción que describe la doble tensión hacia lo moderno y lo regional, la vanguardia situada2, profundizando en lo que creemos es su principal modus operandi: el rescate de rasgos cristalizados o topoi. Examinaremos con este propósito terminologías, conceptos y herramientas analíticas para construir un enfoque multidimensional que incorporará aspectos relacionados con la sociología y la historia, los estudios post-coloniales, la semiótica y la retórica, sumado al análisis tradicional, el cual aplicaremos, a manera de estudio de caso, en dos obras de la producción contemporánea local.

El Centro Wifredo Lam lleva a cabo un amplio proyecto de investigaciones sobre el desenvolvimiento de las manifestaciones artísticas tercermundistas, realizado a partir del vasto fondo documental con que la institución cuenta.

Los resultados de este trabajo, materializado en artículos, introducciones a catálogos y textos, constituyen formas de divulgar los logros creativos del llamado Tercer Mundo, independientemente de la vía de difusión más conocida: la Bienal de la Habana.

El presente libro responde a este cometido. Pero no se trata de un texto fortuito o el fruto de un plan programático, como la celebración bianual del evento expositivo. Las diversas fuentes documentales así como la propia actividad institucional, señalaban la importancia de la década del 80 en la historia de las artes plásticas de una de las regiones de nuestra competencia: América Latina.

Los 80 fueron para esa zona del orbe una década marcada por la confrontación cultural. Fenómenos como la postmodernidad y el boom del arte latinoamericano generaron reflexiones en los analistas de dentro y fuera del continente. En ellas se pusieron de manifiesto enfoques plurales con relación a este arte, sustentados en valoraciones heterodoxas, intereses de mercado y políticas de poder. En lo que respecta a la identidad y desarrollo local de las artes visuales, el pensamiento teórico de la región tuvo un desempeño particular en el debate postmoderno.

Los juicios evaluativos de la teoría estética y la crítica de arte son determinantes en la conformación del concepto de arte y valor artístico. En relación a ellos es sabido que alcanzaron rango de universalidad los prefijados por la experiencia artística europea, de acuerdo al desarrollo de sus contextos. Por ende, los criterios de artisticidad y calidad que prevalecieron fueron los regidos por sus modelos y parámetros.

Asimismo, el arte norteamericano se fundamentó en similares principios y tomó como basamento teórico los criterios de la historiografía europea. De esta forma quedó acuñado un concepto occidental del arte, con el cual identificamos la producción metropolitana.

La producción contemporánea no occidental acusa rasgos híbridos fruto de los cruces culturales ocurridos en sus contextos hoy postcoloniales. Dentro del conglomerado de países que esta producción tiene como escenario, se distingue América Latina por accidentalidad, a pesar de que sus expresiones contemporáneas son también ontológicamente heterogéneas.

No creo necesario detenerme en el relato histórico que explica su grado de accidentalidad ni en los factores que intervienen en su compleja entidad. Baste señalar que desde las vanguardias artísticas que fructificaron en la segunda década del siglo XX, la región ha generado un arte tan complejo como su propia realidad. En él se conjugan elementos culturales endógenos, problemáticas contextuales y lenguajes importados. De estos últimos, el artista latinoamericano se ha apropiado de manera creativa y desprejuiciada sacando ventaja de lo que, de hecho, es uno de los elementos constitutivos de su cultura: el «Occidente».

Los coordinadores y los autores/as de las definiciones aportadas en este diccionario no pretenden tener soluciones definitivas o universales para resolver las varias polémicas teóricas y laberintos epistemológicos que discuten, esperan que estas definiciones sirvan a estudiantes e investigadores que entren en el campo. Quieren que esta fuente de referencia de términos clave para los estudios culturales latinoamericanos ayude para clarificar las trayectorias de los conceptos más utilizados en esta interdisciplina y para así facilitar la entrada de nuevos estudiantes e investigadores al campo. Creen que este diccionario será una herramienta útil para quienes se acerquen a los estudios culturales desde las disciplinas tradicionales, la crítica cultural y la capacitación en la gestión cultural. Siguiendo una tradición de larga data en el continente, les gustaría que fuera un texto debatido, discutido y utilizado en diferentes contextos culturales y académicos. Es una invitación abierta a un diálogo que capturan en un momento pero desean que siga. Porque todo diccionario, toda biblioteca y toda taxonomía son, como enseñó Borges, un delicioso e infinito desorden.

Este volumen complementa Arte de America Latino, 1900-1980, trabajo postumo de Marta Traba. Con un estilo directo y conciso, el historiador colombiano German Rubiano Caballero da una vision panoramica de las artes en America Latina durante las dos ultimas decadas del siglo veinte, indicando las principales exposiciones, tendencias, influencias, manifestaciones visuales, artistas y teoricos de importancia surgidos o afianzados duraiite dicho periodo. Ilustrada con cuarenta reproducciones a todo color, esta publication ha sido escrita con el caracteristico rigor y la metodologia del historiador, completando la vision de quien fuera una de las criticas de arte mas importantes de America Latina.

Ver en su conjunto el ARTE MODERNO LATINOAMERICANO cuando uno sabe que procede de más de 20 países con tradiciones, culturas y lenguas distintas, siempre ha sido una dificultad casi insalvable al intentar escribir su historia, lo cual quizá explique que hasta el presente no se haya producido una obra así. Sin embargo, tal obra es indispensable para situar el arte continental dentro del siglo, no como un mero apéndice de las culturas fuertes (particularmente la europea y la estadounidense), sino como un trabajo conjunto que dé imagen propia a una comunidad cuyo mayor empeño, desde fines del siglo pasado, ha sido definir lo peculiar de su cultura.

En 2001, el MFAH estableció el Latin American Art Department y su sección de investigación, el International Center for the Arts of the Americas (ICAA). Desde su fundación, el objetivo básico del ICAA ha sido el coleccionar, exhibir, investigar e instruir a los visitantes del museo sobre la diversa producción artística de los latinoamericanos y latinos, incluidos los artistas de México, Centro y Sudamérica, el Caribe y artistas de ascendencia latinoamericana que viven y trabajan en los Estados Unidos. Con el establecimiento del Centro, la finalidad de la institución era lograr una transformación a largo plazo en torno a la apreciación y comprensión de las artes plásticas latinoamericanas y latinas en los Estados Unidos, más allá de sus fronteras inclusive. En su primera década de existencia, el ICAA ha organizado exposiciones centradas en sus investigaciones, mantenido un dinámico programa de publicaciones, desarrollando proyectos educativos y de investigación que complementan la ahora célebre colección de arte producido en América Latina del MFAH. El ICAA ha organizado tres simposios internacionales, en dicho período, publicando sus actas en formato bilingüe y organizando exposiciones paradigmáticas tales como Inverted Utopias: Avant-Garde Art in Latin America(2004), Hélio Oiticica: The Body of Color (2006) y Carlos Cruz Díez: Color in Space and Time (2011), entre muchas otras. El ICAA fue fundado por el recordado Peter C. Marzio, Director del MFAH de 1982 a 2010. Desde sus inicios, es dirigido por Mari Carmen Ramírez, Curadora Wortham of Latin American Art del MFAH y Directora Fundadora del ICAA; a su vez, María C. Gaztambide es la Subdirectora del ICAA.