Enlace de acceso a la página del escultor argentino Jorge Gamarra, allí podrás conocer su biografía, obras y contactarte con él.

¿Qué decir de Jorge Gamarra? Escultor de 77 años. Nacido en Buenos Aires. Autodidacta en lo escultórico. Trabaja en piedra, madera, acrílico, metal. Cualquier material que toca pareciera adquirir plasticidad por obra y gracia de su mano. ¿Cómo lo hará?

La Fundación OSDE exhibe una retrospectiva suya, con obra de los últimos 50 años, la cual nos sumerge en un mundo donde la sutileza destaca por sobre todas las cosas. La muestra está dividida en 3 secciones (Materia/Forma/Símbolo), para facilitarnos el recorrido por la vasta obra de este artista. Una tríada que propone y que logra efectivamente abordar.

Materia. El material, que otrora pareciera macizo, de golpe, no lo es. Un gran engaño a nuestros sentidos. Vemos las piezas y no logramos entender el choque entre lo que esperamos del material y lo que encontramos efectivamente. La impronta mágica del artista ha dejado su huella.

Forma. Esta deviene en líneas sensuales. Curvas y pliegues salen de lo que pareciera de otro modo un bloque de madera íntegro. Encontramos, entre otras obras, su serie Ondulaciones.

Símbolo. El artista ha indagado en formas primitivas y llegado a desarrollar sus llamados “fósiles”, “herramientas” y geometrías monumentales”. Vale destacar que sus herramientas están en el marco del proyecto de Convivencia y desarme, iniciado por la escultora mendocina Eliana Molinelli. Para hacerlas, se valió de la fusión de ciertas partes de revólveres. Un simbolismo que se le suma a otro. Las herramientas que Gamarra empezó a desarrollar en los 80’ ejemplifican una parte del quehacer continuo del hombre (un hombre que crea herramientas con las cuales, vuelve a crear) a su vez están recreando el material que les precedió.

Influenced by the masters of Antiquity, the genius of Michelangelo and Baroque sculpture, particularly of Bernini, Auguste Rodin (1840-1917) is one of the most renowned artists in history.
Though Rodin is considered a founder of modern sculpture, he did not set out to critique past classical traditions. Many of his sculptures were criticised and considered controversial because of their sensuality or hyperrealist qualities. His most original works departed from traditional themes of mythology and allegory, and embraced the human body, celebrating individualism and physicality.

This book uncovers the life and career of this highly acclaimed artist by exploring his most famous works of art, such as the Gates of Hell, The Thinker and the infamous The Kiss.

Influenciado por los maestros de la Antigüedad, el genio de Miguel Ángel y la escultura barroca, particularmente de Bernini, Auguste Rodin (1840-1917) es uno de los artistas más famosos de la historia.
Aunque Rodin es considerado uno de los fundadores de la escultura moderna, no se propuso criticar las tradiciones clásicas del pasado.  Muchas de sus esculturas fueron criticadas y consideradas controversiales debido a su
sensualidad o cualidades hiperrealistas. Sus trabajos más originales se apartaron de los temas tradicionales de la mitología y alegoría, y abrazó el cuerpo humano, celebrando el individualismo y la fisicalidad.
Este libro descubre la vida y la carrera de este aclamado artista al explorar sus obras más famosas de arte, como las “Puertas del Infierno”, “El Pensador” y el infame “El Beso”.

El presente trabajo adopta un modelo de análisis proveniente de la sociosemiótica para abordar un grupo de obras de la artista mendocina Susana Dragotta. La teoría de los discursos sociales desarrollada por Eliseo Verón permite el análisis del hecho artístico en tanto discurso social. Las obras serán analizadas como discursos que ponen de manifiesto comportamientos individuales e institucionales

El modelo de análisis consta de tres fases. La primera atañe al proceso de producción del discurso artístico. La segunda fase consta de una lectura que releva semióticamente las obras desde mi perspectiva. La tercera fase concierne al proceso de reconocimiento que genera la obra en instituciones, agentes, y también en otros discursos artísticos.

El reconocimiento que otros discursos artísticos hacen de las obras analizadas, da lugar en esta investigación a un anexo: ‘El giro animal en el arte contemporáneo mendocino’.

La presente investigación toma entonces el caso de un cambio de poética en la obra de un artista, identifica la lectura normalizada, describe las marcas de donde esta misma surge, y da visibilidad a la posibilidad de lecturas no previstas.

La Fundación otorga este galardón a través de la Academia Nacional de Bellas Artes. La artista, que también es profesora de la Facultad de Artes y Diseño, recibió el premio por una obra denominada “Piezas de Armadura”.

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Esta obra pone al alcance de las personas interesadas en conocer las diferentes manifestaciones del arte que floreció en mesoamérica durante la época precolombina, una serie de estudios sobre temas como cerámica, pintura, escultura y arquitectura, cuya exposición no obedece siempre a un riguroso orden cronológico, sino que presenta en ocasiones, una secuencia regional o conceptual, según la importancia de algunas materias.

El autor y sus colaboradores tratan de discernir en qué consiste el fenómeno de la creación artística en el mundo precortesiano, y cuáles son los factores relacionados con otros aspectos de la cultura que pueden motivar el arte.
La idea que rige es la de presentar al especialista o al profano, una visión de conjunto en la que se manifiesten con claridad las relaciones y desviaciones sobre las cuales se apoya la unidad del antiguo arte mesoamericano en el transcurso del tiempo y el espacio geográfico.
Más de 800 dibujos, casi todos originales realizados con varias técnicas, ilustran el libro; a éstos se agregan más de 30 láminas con fotografías a color. Es un libro tanto de estudio como de arte, que cubre los cursos sobre “Historia del arte en México”, “Arte prehispánico”, “Historia de la arquitectura en México”, “Arquitectura prehispánica” y “arte antiguo en México”, entre otros.

Una pintura sin título, datada en 1958, y una escultura, La Urpila en Buenos Aires, terminada en los primeros meses de 2010, establecen los límites cronológicos de esta exposición. En la primera, un ligero desnudo femenino se sostiene en el equilibrio inestable de una pose de danza. En la segunda, la sólida figura aferrada a la tierra desplaza ligeramente el eje corporal, como vacilando ante el peso del carro que arrastra. Entre una y otra obra median más de 50 años de trabajo y ambas aparecen como una breve síntesis, cargada de indicios, de la obra de Juan Carlos Distéfano. Así, el propósito de esta exhibición es múltiple. Por un lado, ofrece una mirada amplia, sin pretensiones exhaustivas, sobre el conjunto de su producción. Un extenso período donde la obra de Distéfano aparece, a coro con otras voces (o como voz disonante/disidente), atravesando los problemas que plantea el arte argentino desde los años 60 hasta el presente. Se pretende, por otro lado, mostrar el singular lenguaje plástico, el uso de materiales, procedimientos, las preocupaciones y temáticas presentes en la obra del artista. Es en función de esos objetivos que el recorrido cronológico permite evidenciar la condición de sujeto histórico de Distéfano, los límites precisos en los que desarrolla su obra, los problemas y debates de época que la rodearon. Así, la muestra señala la particularidad de ciertos trabajos, tal es el caso, por ejemplo, de Tres versiones, una obra que formó parte del envío a la III Bienal Americana de Arte (IKA) de 1966, en Córdoba, y para el cual la crítica reclamó premios. La misma obra, junto a Lucha y En el fuego…, participó luego de la Bienal de San Pablo de 1967, donde casi provoca la censura de los organizadores…

Este volumen complementa Arte de America Latino, 1900-1980, trabajo postumo de Marta Traba. Con un estilo directo y conciso, el historiador colombiano German Rubiano Caballero da una vision panoramica de las artes en America Latina durante las dos ultimas decadas del siglo veinte, indicando las principales exposiciones, tendencias, influencias, manifestaciones visuales, artistas y teoricos de importancia surgidos o afianzados duraiite dicho periodo. Ilustrada con cuarenta reproducciones a todo color, esta publication ha sido escrita con el caracteristico rigor y la metodologia del historiador, completando la vision de quien fuera una de las criticas de arte mas importantes de America Latina.

El Museo de Arte Costarricense (MAC) lidera las principales actividades relacionadas con las artes plásticas de Costa Rica; reúne y exhibe obras de artistas nacionales e internacionales, estimula la confrontación plástica y el pensamiento crítico y contribuye a la formación integral del público que lo visita mediante programas educativos y recreativos.

El MAC cuenta con más de seis mil obras en su colección que incluye pintura, escultura, fotografía y otros de artistas nacionales e internacionales, que datan desde mediados del siglo XIX hasta principios del siglo XXI.

El Museo también realiza programas de extensión por medio de exposiciones itinerantes y exhibiciones con proyección internacional. Estas acciones le han permitido al MAC posicionarse en el medio costarricense y en el extranjero con una visión actualizada y contemporánea.

Visitar el Museo de Arte Costarricense es una experiencia enriquecedora donde podrá descubrir obras de gran valor estético y patrimonial que reflejan distintas épocas y movimientos artísticos que han dejado huella en la plástica costarricense.

Además, el edificio que alberga al MAC es una obra de arte por sí solo que vale la pena admirar. Es un inmueble de estilo neocolonial, que se construyó a finales de los años 30 y fue el primer aeropuerto internacional de Costa Rica.