Entrevista realizada por Omar Corrado,

Coriún Aharonián (Montevideo, 1940) es compositor y musicólogo, y ha sido docente de ambos campos de actividad en varios países. Enseñó en la Universidad de la República (1985-1991) y en el Instituto de Profesores de Montevideo, y en instituciones universitarias de Argentina, Brasil, Colombia y Ecuador. Ha dictado seminarios, talleres y conferencias en diversos países de América, Europa y Asia. Es autor de ensayos y artículos publicados en varios idiomas y países. Cuatro de sus libros han recibido el Premio del Ministerio de Educación y Cultura del Uruguay. Fue compositor invitado por el Berliner Künstlerprogramm del DAAD (Berlín, 1984-1985) y obtuvo la beca Guggenheim (2004-2005). Ha integrado el comité ejecutivo de la Asociación Internacional para el Estudio de la Música Popular (IASPM) en su etapa fundacional (1983-1985) y el de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea (1985-1989). Ha sido coorganizador de los quince Cursos Latinoamericanos de Música Contemporánea, realizados en diferentes países del continente entre 1971 y 1989. Entre sus alumnos de composición se cuentan destacadas figuras de la música culta y popular de varios países. Es actualmente Director Honorario del Centro Nacional de Documentación Musical Lauro Ayestarán (CDM) de Uruguay. En 2010 fue declarado Ciudadano Ilustre de Montevideo por la Intendencia de esa capital. Su obra musical incluye piezas electroacústicas –entre ellas, Que (1969), Homenaje a la flecha clavada en el pecho de don Juan Díaz de Solís y Gran Tiempo (ambas de 1974), Apruebo el sol (1984), Secas las pilas de todos los timbres (1995)–; orquestales –Mestizo (1993), Una carta (2001)–, para conjuntos de cámara de distinta conformación –Música para aluminios (1967), Una estrella, esta estrella, nuestra estrella (1969), Música para cinco (1972), Digo, es un decir (1979), Los cadadías (1980), Gente (1990), Una canción (1998), Cachó la barreta (2004), ¿De qué estamos hablando? (2006)– y para instrumentos solistas –Tres pequeñas piezas (1966-73), ¿Y ahora? (1984), Llueve sobre el Río de la Plata (2000).

Publicación semestral de acceso libre con evaluación de pares, destinada a promover la discusión en torno a los dilemas teóricos, metodológicos y epistemológicos de las investigaciones realizadas sobre diversas manifestaciones musicales.

En Martín Fierro, revista cultural publicada en Buenos Aires entre 1924 y 1927, se
encuentran materiales referidos a la música que constituyen documentos valiosos para el
estudio de los modos en que la misma fue incorporada a las concepciones y debates locales de
la modernidad. Los textos abordan la crítica institucional, analizan las obras de compositores
contemporáneos como Stravinsky y Honegger estrenadas en el país, reflexionan sobre géneros
populares puestos en circulación por la incipiente industria cultural –el jazz, el tango-.
Anuncios publicitarios de espectáculos, casas de música y ediciones proporcionan importante
información fáctica. La música ingresa asimismo en textos literarios y obras pictóricas que la
tematizan. Versiones de la modernidad musical ensayada poco después en la obra de jóvenes
compositores argentinos se corresponden con algunas vertientes del proyecto estético
impulsado por la revista.

El tema de la identidad es conflictivo en el ámbito del arte. El compositor que desea expresar en su música características regionales y al mismo tiempo utilizar los aportes de la vanguardia internacional se encuentra ante una contradicción. La dicotomía regionalidad-universalidad, puesta aún más en crisis por las vanguardias internacionalizantes, y hoy por la globalización, ha sido una constante a lo largo del siglo XX, desde las primeras vanguardias hasta la actualidad. Confirmando la actualidad y vigencia del problema de la identidad en arte, observamos que incluso en las últimas décadas de ese siglo continuaron apareciendo obras adscriptas a la regionalidad, apelando a elementos aparentemente descartados por la crisis en la expresión detonada por el atonalismo, la revolución rítmica, o el nuevo concepto de sonido y fuente sonora.
Esto nos condujo a pensar que no es ésta una mera y absurda oposición al mandato de “evolución” del lenguaje -primordial en las vanguardias-, o de apropiaciones ingenuas de elementos cristalizados del pasado. Tenemos ante nosotros una búsqueda de expresión particular de “lo propio”, en donde el arte asume un rol comunicativo y de significado que trasciende el nivel neutro, y que merece ser estudiado a través de otras herramientas analíticas.
A partir de estas inquietudes, nos propusimos en este trabajo ahondar en la noción que describe la doble tensión hacia lo moderno y lo regional, la vanguardia situada2, profundizando en lo que creemos es su principal modus operandi: el rescate de rasgos cristalizados o topoi. Examinaremos con este propósito terminologías, conceptos y herramientas analíticas para construir un enfoque multidimensional que incorporará aspectos relacionados con la sociología y la historia, los estudios post-coloniales, la semiótica y la retórica, sumado al análisis tradicional, el cual aplicaremos, a manera de estudio de caso, en dos obras de la producción contemporánea local.

Gilardo Gilardi (1889-1963) fue un ícono en el ámbito de la creación musical argentina.
Fue un compositor destacado, original, prolífico y talentoso que representó la vanguardia musical de la primera mitad del siglo XX. Pocos son los compositores argentinos de esa generación que cultivaron todos los géneros musicales y que lo hicieron con tanta autoridad y acierto…
En el año 2014, se celebraron los 125 años de su nacimiento, y por eso queremos rendirle un homenaje brindándoles a los lectores y a la comunidad musical los resultados de la investigación que realizamos a lo largo de ocho años.
En una primera instancia estuvimos abocados a localizar las fuentes primarias. Luego nos dedicamos a estudiar su música para piano bajo la guía del pianista Fernando Pérez, la dirección de la pianista e investigadora mendocina Dora De Marinis y el asesoramiento del compositor rosarino Dante Grela.
En la etapa heurística del proceso investigativo observamos que las obras de los compositores académicos argentinos en general carecen de estudios sistemáticos profundos y de catalogación. Tal escasez, propia de la identidad cultural latinoamericana, impulsó el abordaje de este proyecto.
Lamentablemente, este trabajo confirmó una tendencia que se manifiesta en nuestro país: una vez que mueren, los compositores argentinos pasan indefectiblemente al olvido y sus obras dejan de interpretarse, por lo que las generaciones posteriores los ignoran. Resultaría interesante la realización de estudios que explicaran los motivos que propician esta tendencia, a los fines de instrumentar cambios en las políticas culturales, económicas y sociales que permitan revertir la situación planteada.
Sin embargo, también observamos que desde hace unos quince años comenzó a crecer, desde algunos ámbitos, un lento pero paulatino interés por recuperar y revalorizar nuestro patrimonio musical. Surgieron artistas e instituciones, como el Grupo Ostinato, que realizaron aportes al campo de la música argentina para piano. Este grupo se dedica a la difusión, a través de registros discográficos, de obras integrales para piano de diversos compositores argentinos.
Otro aporte significativo lo viene realizando la Maestría en Interpretación de Música Latinoamericana del Siglo XX, creada y dictada en la Universidad Nacional de Cuyo desde el año 2002. Esta carrera de posgrado comenzó a gestar soluciones, ya que genera una toma de conciencia en los maestrandos, intérpretes y compositores respecto de problemas identitarios –en nuestro caso la identidad latinoamericana– e impulsa el abordaje de proyectos que paulatinamente van cubriendo los vacíos existentes en la historia de la música argentina.
En este contexto, estimamos que el presente trabajo contribuye a ese proceso de gestar soluciones. Consideramos que “desempolvar” nuestro patrimonio musical y rescatar obras de valor es un aporte que los intérpretes podemos realizar al momento de elegir el material y el repertorio de estudio.
Deseo destacar que el estímulo fundamental y la guía para llevar adelante esta investigación la obtuve siempre de la belleza expresiva que emana de la música de Gilardi. El lied para canto y piano Canción a los ojos amados fue la primera obra de su autoría que abordé, y desde ese primer contacto siempre despertó mi sensibilidad y mi curiosidad por saber sobre el autor, por conocer su obra. Estimé, desde mi rol de intérprete, que detrás de esa canción debía existir un mundo musical rico, digno de ser rescatado…

En el presente trabajo expresaremos la importancia del rol del intérprete dentro del vínculo con el compositor en los procesos creativos de una obra. Para ello, distinguiremos al intérprete como especialista y explorador de los recursos sonoros de su instrumento y al compositor como dador de entidad a la obra a través de la articulación de los procesos discursivos. Por medio del abordaje, análisis y estudio del proceso de composición en las obras propuestas en programa, en los objetivos de este trabajo nos proponemos identificar los aportes de los instrumentistas a través de su interacción con el compositor durante los procesos creativos, y, de esta manera, describir las influencias de los intérpretes frente a la problemática de la composición en el empleo de nuevas sonoridades en la flauta. Asimismo, recomendamos lineamientos, análisis de los aportes flautísticos y sugerencias a fin de enriquecer la comprensión del repertorio y alentar la creación de piezas musicales.

A partir de la observación de la inserción de nuevas herramientas multimediales en nuestra sociedad, el incremento creciente de su uso y, ante la evidencia de los cambios operados en los comportamientos de los estudiantes de la
Escuela de Música de Rosario – que acceden a ellas por fuera de lo académico institucional -, consideramos relevante analizar las nuevas modalidades, alcances y niveles que se dan en el aprendizaje de la música a partir de su empleo.
Nuestros objetivos de investigación se dirigen a observar y analizar la incidencia que tiene para el estudio de la música, la utilización de las nuevas tecnologías desde dentro y/o fuera de los ámbitos académicos. Analizamos los aportes y contribuciones que proporciona para el aprendizaje musical la utilización de tecnología, a partir de
la aplicación de nuevos modelos de adiestramiento para la adquisición de competencias y o desarrollo de habilidades, tendientes a la lecto – escritura musical y su posterior aplicación expresivo instrumental. A su vez indagamos en las ventajas y obstáculos de la cultura massmediática y su influencia en el campo de las artes, buscando sus posibles repercusiones en la educación artística.
La polemizada cuestión que conlleva con relación al uso y aplicación de “tecnología multimedial” en el campo de lo artístico determina la posibilidad de generar una herramienta de discusión y análisis en el área de la Educación musical.

Esta tesis trata acerca de una de las músicas populares vigentes de nuestra región: la cueca cuyana. Partimos de tres ámbitos distintos, poniéndolos en diálogo; por un lado, hemos profundizado en los textos y autores que han estudiado este género musical, especialmente la perspectiva del musicólogo Carlos Vega; por otro lado, hemos trabajado con los protagonistas de esta expresión cultural, realizando entrevistas a cultores de música cuyana; y por último, hemos analizado un importante corpus de composiciones grabadas fonográficamente.
Nos pareció pertinente indagar acerca de la red de construcciones ideológicas existente entorno de la cueca, tanto las implicadas en los estudios musicológicos, como las que sustentan sentidos relacionados con identidades socioculturales.
Asimismo, intentamos evidenciar intereses, necesidades y propósitos de los cultores de música cuyana ¾expresión que comparte espacios y prácticas tradicionales y mediatizadas desde principios del siglo XX¾, en relación con la industria cultural, el centralismo administrativo, los espacios de legitimación y las determinaciones ideológicas, económicas y estéticas.
Este complejo tramado de significaciones ancla en sonidos organizados de maneras particulares; en consecuencia, creímos oportuno también estudiar los distintos elementos que colaboran en la definición de la identidad sonora de la cueca cuyana contemporánea, considerando aspectos estructurales y performativos.
Algunos de los procedimientos que hemos realizado con el objeto de describir la cueca cuyana implicaron la construcción de un aparato teórico metodológico donde articulamos los enfoques del etnomusicólogo Simha Arom con los del musicólogo Philip Tagg. Por otro lado, la Semiótica de la Cultura de Iuri Lotman aparece como marco en el tratamiento de las significaciones y tensiones presentes en torno de estas músicas y sus cultores.

Se realizará del 11 al 19 de diciembre. En su séptima edición, dedicada a la Música para Violoncello, contará con la presencia de Leo Viola y Miguel Bellusci.

Esta instancia de formación se llevará a cabo entre el 27 de noviembre y el 1 de diciembre y estará a cargo del concertista, pedagogo e investigador Dr. Fausto Borem de Oliveira.

El Dr. Fausto Borem de Oliveira, docente de la Escuela de Música de la Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG) ofrecerá un seminario de posgrado en interpretación de música latinoamericana que incluirá obras tanto para instrumentos solistas (cuerdas), como también para conjuntos de cámara de compositores Latinoamericanos. Este seminario se dictará desde el 27 de noviembre hasta el 1 de diciembre de 16 a 21 y es acreditable a la Maestría en Interpretación de Música Latinoamericana del s. XX. Hasta el 13 de octubre inclusive podrán pre inscribirse quienes deseen participar.

Uno de los principales objetivos propuesto por el docente es fundamentar y mejorar el abordaje de este repertorio a través de su propio método de análisis aplicado a la interpretación musical. Se podrán ejecutar tanto obras propuestas por los participantes (previo envío de la partitura escaneada para su aval), como también obras sugeridas por el Dr. Borem.

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