In this book one can find many artworks created by Picasso between 1881 and 1914. The first style of the artist was influenced by the works of El Greco, Munch and Toulouse-Lautrec, artists that he discovered when he was a student in Barcelona. Picasso, fascinated by the psychological expression during his Blue period (1901-1904), expresses his own mental misery: his genre paintings, still-lifes and portraits were full of melancholy. Later, Picasso began to paint acrobats during his Circus period. After his voyage to Paris, in 1904, his aestheticism evolved considerably. Cezanne’s influence and Spanish culture led him to Cubism, which is characterised by the multiple points of view over the surface of the painting. Apart from a selection of Picasso’s first paintings, this book presents several drawings, sculptures and photographs.

En este libro se pueden encontrar muchas obras de arte creadas por Picasso entre 1881 y 1914. El primer estilo del artista estuvo influenciado por las obras de El Greco, Munch y Toulouse-Lautrec, artistas que descubrió cuando era estudiante en Barcelona. Picasso, fascinado por la expresión psicológica durante su período azul (1901-1904), expresa su propia miseria mental: sus pinturas de género, bodegones y retratos estaban llenos de melancolía. Más tarde, Picasso comenzó a pintar acróbatas durante su período de Circo. Después de su viaje a París, en 1904, su esteticismo evolucionó considerablemente. La influencia de Cézanne y la cultura española lo llevaron al cubismo, que se caracteriza por los múltiples puntos de vista sobre la superficie de la pintura. Además de una selección de las primeras pinturas de Picasso, este libro presenta varios dibujos, esculturas y fotografías.

¿Qué decir de Jorge Gamarra? Escultor de 77 años. Nacido en Buenos Aires. Autodidacta en lo escultórico. Trabaja en piedra, madera, acrílico, metal. Cualquier material que toca pareciera adquirir plasticidad por obra y gracia de su mano. ¿Cómo lo hará?

La Fundación OSDE exhibe una retrospectiva suya, con obra de los últimos 50 años, la cual nos sumerge en un mundo donde la sutileza destaca por sobre todas las cosas. La muestra está dividida en 3 secciones (Materia/Forma/Símbolo), para facilitarnos el recorrido por la vasta obra de este artista. Una tríada que propone y que logra efectivamente abordar.

Materia. El material, que otrora pareciera macizo, de golpe, no lo es. Un gran engaño a nuestros sentidos. Vemos las piezas y no logramos entender el choque entre lo que esperamos del material y lo que encontramos efectivamente. La impronta mágica del artista ha dejado su huella.

Forma. Esta deviene en líneas sensuales. Curvas y pliegues salen de lo que pareciera de otro modo un bloque de madera íntegro. Encontramos, entre otras obras, su serie Ondulaciones.

Símbolo. El artista ha indagado en formas primitivas y llegado a desarrollar sus llamados “fósiles”, “herramientas” y geometrías monumentales”. Vale destacar que sus herramientas están en el marco del proyecto de Convivencia y desarme, iniciado por la escultora mendocina Eliana Molinelli. Para hacerlas, se valió de la fusión de ciertas partes de revólveres. Un simbolismo que se le suma a otro. Las herramientas que Gamarra empezó a desarrollar en los 80’ ejemplifican una parte del quehacer continuo del hombre (un hombre que crea herramientas con las cuales, vuelve a crear) a su vez están recreando el material que les precedió.

For Monet, the act of creation was always a painful struggle. His obsession with expressing emotions and his desire to transmit light effects over nature were much more intense than his contemporaries. In his words: “Skills come and go… Art is always the same: a transposition of Nature that requests as much will as sensitivity. I strive and struggle against the sun… should as well paint with gold and precious stones.”

Para Monet, el acto de creación fue siempre una lucha dolorosa. Su obsesión por expresar emociones y su deseo de transmitir efectos de luz sobre la naturaleza eran mucho más intensos que en sus contemporáneos. En sus palabras: “Las habilidades van y vienen… El arte es siempre el mismo: una transposición de Naturaleza que solicita tanto voluntad como sensibilidad. Me esfuerzo y lucho contra el sol… también debería pintar con oro y piedras preciosas”.

The origins of this book can be traced to a question posed one day long ago at the University of California, Berkeley. “Why,” one of my professors asked, “doesn’t anyone write about Realism anymore?” My name quickly appeared to fill the gap, and a thesis gradually followed. From start to finish, Tim Clark unstintingly supported my work, and I doubt anyone will be surprised to hear the depth of his engagement as a supervisor. The page after page of handwritten commentary on my dissertation, for example, would constitute an independent article. The substance of his response to my argument has guided my research and writing ever since, and his own work continues to serve as a model of art historical scholarship.
In the writing of any book, debts accumulate, and this one is no exception. Thanks are owed, most notably, to all those generous enough to offer help along the way.

Los orígenes de este libro se remontan a una pregunta planteada un día en la Universidad de California, Berkeley. “¿Por qué ya nadie escribe sobre Realismo?” ​​Preguntó uno de mis profesores. Mi nombre apareció rápidamente para llenar el vacío, y la tesis apareció gradualmente. De principio a fin, Tim Clark apoyó sin límites mi trabajo, y  dudo que alguien se sorprenda al escuchar la profundidad de su compromiso como supervisor. Página tras página de comentarios manuscritos sobre mi disertación, por ejemplo, constituirían un artículo independiente. La sustancia de su respuesta a mi argumento ha guiado mi investigación y escritura desde entonces, y su propio trabajo continúa sirviendo como modelo de beca para historia del Arte.
Al escribir cualquier libro, las deudas se acumulan, y esta no es la excepción. Gracias se deben, en particular, a todos aquellos que sean lo suficientemente generosos como para ofrecer ayuda en el camino.

Influenced by the masters of Antiquity, the genius of Michelangelo and Baroque sculpture, particularly of Bernini, Auguste Rodin (1840-1917) is one of the most renowned artists in history.
Though Rodin is considered a founder of modern sculpture, he did not set out to critique past classical traditions. Many of his sculptures were criticised and considered controversial because of their sensuality or hyperrealist qualities. His most original works departed from traditional themes of mythology and allegory, and embraced the human body, celebrating individualism and physicality.

This book uncovers the life and career of this highly acclaimed artist by exploring his most famous works of art, such as the Gates of Hell, The Thinker and the infamous The Kiss.

Influenciado por los maestros de la Antigüedad, el genio de Miguel Ángel y la escultura barroca, particularmente de Bernini, Auguste Rodin (1840-1917) es uno de los artistas más famosos de la historia.
Aunque Rodin es considerado uno de los fundadores de la escultura moderna, no se propuso criticar las tradiciones clásicas del pasado.  Muchas de sus esculturas fueron criticadas y consideradas controversiales debido a su
sensualidad o cualidades hiperrealistas. Sus trabajos más originales se apartaron de los temas tradicionales de la mitología y alegoría, y abrazó el cuerpo humano, celebrando el individualismo y la fisicalidad.
Este libro descubre la vida y la carrera de este aclamado artista al explorar sus obras más famosas de arte, como las “Puertas del Infierno”, “El Pensador” y el infame “El Beso”.

En los años sesenta, Ramón Gómez Cornet ya era una figura de culto, y como maestro de futuros maestros, poseer una obra de su autoría era motivo de orgullo y al mismo tiempo un deseo realizado.

Por eso me resulta incomprensible que haya caído en el olvido y que hoy sea prácticamente un desconocido para la mayoría de los jóvenes que se inician en el camino del arte.

No tuve el gusto de conocerlo personalmente, pero adquirí de su esposa, doña Argentina Rotondo, la primera de las obras que poseo del artista, exhibida en la muestra de la Galería Witcomb en 1955.

Ya al frente de la Fundación Alon, y prosiguiendo con la línea rectora de las actividades que prioriza el estudio de los grandes maestros de la plástica argentina, con el antecedente de ensayos ya publicados sobre Miguel Carlos Victorica, Enrique Policastro, Carlos de la Mota, Juan Batlle Planas y Carlos Alonso, entre otros, propuse a la licenciada Ana Canakis la tarea de llevar a cabo una investigación sobre el pintor y su obra.

El resultado, una publicación ampliamente documentada y una exposición de dibujos y pinturas cuidadosamente seleccionados en nuestra sede.

La casualidad quiso que el Museo Provincial de Bellas Artes de Santiago del Estero rindiera un merecido homenaje a su fundador, nuestro artista, con una muestra que incluye numerosas obras de su vasta producción.

Como no podía ser de otra manera, nos sumamos con entusiasmo al homenaje de la tierra que lo vio nacer y al mismo tiempo rescatamos la importancia de revalorizar con él a toda una generación de artistas que sin duda alguna sienta las bases del arte argentino del siglo XX.

Quiero agradecer muy especialmente al Fondo Nacional de las Artes por su apoyo y a los coleccionistas que facilitaron sus obras para la muestra.

Ing. Jacobo Fiterman

Presidente Fundación Alon

Eduardo Faradje nace en Buenos Aires el 4 de mayo de 1957. Descendiente de una familia de inmigrantes, siendo sus abuelos griegos y polacos, Eduardo se inicia tempranamente en la pintura, contando solamente once años de edad. Por propia voluntad, asiste a las clases de naturaleza muerta al óleo dictadas por una profesora amiga de sus padres, Elias Faradje y Pola Hoffer.

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El artista grabador es en sí mismo un investigador incansable y apasionado; esto sucede desde tiempos lejanos y esta es la cualidad y el motor del grabado, que ha desencadenado permanentemente una multitud de posiciones y proposiciones a lo largo de su historia. La producción gráfica masiva tuvo desde tiempos históricos grandes seguidores entre los artistas, un ejemplo fue Durero que utilizó ediciones de sus estampas para imponer su estilo en muchos países europeos. También históricamente al grabado se le asignó un papel importante por testimoniar y documentar la actividad artística, y acompañó muchas veces la producción de pintores, dibujantes y escultores destacados. Pero esta función específicamente “reproductiva” atribuida a este medio, lo ubicó en un lugar secundario, fuera de lo que era considerado “arte”. A partir de los años 60, esta situación empieza a modificarse y el grabado adquiere nuevamente importancia dentro de un número cada vez mayor de nuevas prácticas artísticas. A lo largo del siglo XX, los procesos tradicionales de impresión llevaron a los artistas grabadores a relacionarse con nuevos materiales, técnicas y recursos, como así también a contar con la capacidad inusual de mostrar a través de las bienales su obra gráfica original en múltiples lugares al mismo tiempo. Joseph Beuys describió al grabado como “una especie de accesorio para la memoria y una antena que está parada en algún lugar con la que estás en contacto”.

Un cuerpo femenino desnudo, plegado sobre sí mismo en posición fetal, tuerce ligeramente la cabeza. En las oquedades de los ojos parece concentrarse una mirada de temor ancestral. Mientras, brazos y manos intentan completar un precario refugio frente a la advertencia goyesca enunciada desde el título. Se trata de Lo mismo en otras partes, la escultura que Juan Carlos Distéfano, en 1977, guardó en un bolso para embarcarse rumbo a Barcelona. El 26 de abril de ese año el decreto 1.101/77, con la firma del ministro del Interior, general Albano Harguindeguy, prohibía la distribución y venta del libro Ganarse la muerte, publicado en 1976 por la esposa del escultor, la escritora Griselda Gambaro. Pese a que a fines del año anterior el artista había realizado con éxito su primera muestra de escultura y que todo permitía presagiar un futuro promisorio para su carrera, la familia decide partir. Además del desnudo, en otro bolso el escultor lleva una pequeña versión de El rey y la reina y una serie de cajas donde había embalado sus herramientas…

Quienes recorran el Pabellón de la Argentina, País Invitado de Honor en esta edición de la Feria del Libro de Fráncfort, encontrarán que los contenidos centrales que articulan sus espacios – “el idioma de los argentinos” a través de una muestra exhaustiva y plural de autores y libros en diálogo con un mural sobre nuestra historia del Bicentenario, la Argentina de los derechos humanos, la inmigración, la ciencia y la innovación tecnológica, los monumentos y paisajes culturales de nuestro país- están atravesados por el hilo de la memoria, el mismo que transversaliza  de una u otra manera las exposiciones que hemos organizado, en excelente conjunción con las instituciones culturales más prestigiosas de Fráncfort, Berlín y Leipzig.

Cultura de la memoria, más acendrada en este año 2010 en que la República Argentina celebra el Bicentenario de la Revolución de Mayo. “Políticas de la memoria” –como define el filósofo alemán Andreas Huyssen a las que están llevando adelante la Argentina y otros países desde comienzos del milenio– que “son el modo como la sociedades se responsabilizan por su historia”.

¿Por qué esta referencia casi obsesiva –si consideramos la totalidad de las muestras con que la Argentina da a conocer su identidad en Alemania- a la historia y la memoria, presentes en relación con el pasado inmediato, más reciente, en el catálogo que ilustra la exposición “Nos tocó hacer reír” en el Museo de la Comunicación de Fráncfort? Porque somos una democracia joven que, en la celebración de sus doscientos años, está intentando reinterpretar las voces y el patrimonio de nuestro pasado más originario y más cercano, hacernos cargo de nuestra historia e integrar a nuestra sociedad en un proyecto común, el de Latinoamérica, y en diálogo con el mundo.

No hay identidad cultural sin memoria. Rescatar esa identidad cultural, nacional y latinoamericana, es condición necesaria para un proyecto consensuado, de cara al futuro. En este sentido, nuestro Bicentenario como nación independiente se caracteriza por la vocación de integrarnos hacia adentro en el respeto por una diversidad cultural que está viva en nuestros monumentos y paisajes, desde la Puna o la selva misionera hasta la Patagonia, de la majestad de los Andes hasta la pampa y la cuenca rioplatense, viva en el imaginario de nuestros artistas, escritores, músicos y humoristas.

Esta diversidad es uno de los rasgos más fuertes y ricos de nuestra identidad como nación, y se revela en las manifestaciones de nuestro federalismo.

Dejando atrás viejas antinomias, herencia y rémora de una visión eurocéntrica de nuestra cultura, queremos proyectar el país profundo y hacer del federalismo –uno de los ejes de la celebración política del Bicentenario- una realidad concreta (…) Esta mirada que rescata los orígenes para construir un proyecto más justo e inclusivo con miras al futuro nos lleva a revalorizar a nuestras culturas aborígenes, a las que se violentó y sometió al separarlas de su tierra, su lengua y sus creencias y a las que los nuevos dueños de la tierra dieron la espalda en aquella Argentina de los constituyentes, donde “no había negros ni indios”, donde bajo el lema de “civilización o barbarie”, que subtitula el Facundo de Sarmiento “se pagaba en inglés y se hablaba en francés”.